Une compréhension des pièces d’Anton Tchekhov centrée sur l’acteur
Dirigé par Richard Nelson
La voie vers la vérité au théâtre passe toujours par l’acteur, et non par le metteur en scène. L’acteur est donc au centre de mon théâtre. Être et ne pas faire. C’est là que je fixe l’objectif des acteurs : présenter la vie réelle, des êtres humains réels qui parlent et s’écoutent vraiment, sans faire semblant, sans jouer, sans faire ou montrer, mais en agissant réellement. Leur travail consiste à être sur scène des personnes aussi perdues, heureuses, tristes, confuses, ambiguës, etc. que n’importe quel spectateur. ET – nous échouerons toujours. Mais c’est cela l’ambition, l’objectif, ce à quoi nous aspirons. Je ne recherche pas un « naturalisme » où la soi-disant vie réelle est en quelque sorte copiée et retransmise, ni un « jeu cinématographique » où l’on fait semblant de « montrer » une intimité, où l’on « joue » la réalité, souvent face à une personne hors champ qui ne participe pas complètement. Je cherche à faire naître quelque chose de réel devant un public. Pas de faux-semblants, mais la vérité.
Une lettre d’Anton Tchekhov à sa future épouse, Olga, une actrice, qui s’était plainte de la performance d’un de ses collègues :
« La grande majorité des gens sont nerveux, la plupart souffrent, une minorité ressent une douleur aiguë, mais où, dans la rue ou à la maison, les voyez-vous se jeter par terre, sauter ou se prendre la tête entre les mains ? Les expressions subtiles des sentiments… doivent également être exprimées de manière subtile dans leur forme extérieure. La scène a ses exigences, [il s’adresse à une actrice], direz-vous. Aucune exigence ne justifie le mensonge. »
Mentir ou ne pas mentir. Pour Tchekhov, comme pour moi, la manière dont on joue, dont un acteur joue, est un choix moral.
Contenu et méthode
Les pièces de Tchekhov sont centrées sur les personnages ; leurs mystères et leur beauté se découvrent dans la richesse et la profondeur des relations entre ses personnages ; c’est dans ces relations que se trouvent nos vies, nos rêves, nos mondes. Il n’y a pas de plus grande pièce de Tchekhov que La Cerisaie. Mais depuis sa création en 1904, chaque metteur en scène (et chaque acteur) de chaque production a été confronté à certaines questions et à certaines confusions dans le texte qui doivent être abordées d’une manière ou d’une autre. Souvent, la manière dont ces questions sont abordées a défini l’interprétation d’une production. Mais que se passerait-il si, au lieu d’être des confusions nécessitant une interprétation, ces « problèmes » étaient simplement le résultat de coupures et de modifications apportées, non pas par l’auteur, mais par le metteur en scène et les acteurs, au cours de répétitions difficiles et instables, alors que l’auteur était gravement malade ? Que se passerait-il si, pendant cette période, au cours de ces répétitions, des modifications avaient été apportées au scénario, des répliques coupées, réécrites et réarrangées, un décor supprimé, etc. ? Et si presque toutes les modifications apportées étaient au détriment de la pièce ? Récemment, le script original, antérieur aux répétitions, a été reconstitué pour la première fois. Une analyse détaillée de ce script, de cette pièce profonde et magnifique, révèle de nouveaux secrets, une nouvelle beauté, et nous permet de mieux comprendre un chef-d’œuvre qui nous échappait jusqu’à présent.
Objectifs
L’objectif est le suivant :
- Que chaque participant, chaque acteur/actrice, acquière une nouvelle compréhension des pièces de Tchekhov, tant dans leur lecture que dans leur interprétation.
- Cette compréhension permet d’appréhender plus largement l’humanisme fondamental du théâtre lui-même, où l’acteur vivant, l’être humain, est au centre et où sa complexité est au cœur de l’attention.
- Une meilleure compréhension et appréciation de ce qui est essentiel dans le théâtre, à savoir qu’il s’agit de la seule forme artistique qui utilise « l’être humain vivant dans son intégralité comme moyen d’expression ».
- Et de l’importance du théâtre à une époque où nous sommes de plus en plus éloignés les uns des autres par nos téléphones et nos écrans, donnant un sens nouveau à la devise de la Comédie-Française qui proclame « Simul et singulis », être ensemble et seuls.
Richard Nelson
L’Américain Richard Nelson est l’auteur et le metteur en scène de nombreuses pièces de théâtre produites dans le monde entier. Il a récemment mis en scène sa pièce When the Hurlyburly’s Done au Théâtre Podil, à Kiev, en Ukraine, et Notre Vie Dans l’Art au Théâtre du Soleil. Il a reçu presque tous les grands prix de théâtre aux États-Unis et en Angleterre, et est membre honoraire de la Royal Shakespeare Company, qui a produit dix de ses pièces. Il est depuis longtemps associé à l’un des plus grands théâtres américains, le Public Theater de New York, où il a mis en scène onze de ses pièces.
« La dramaturgie épurée de Nelson nous invite à nous intéresser davantage aux personnages qu’à l’histoire, et à voir les choses les plus importantes dans les moindres détails. » New York Times
« La détermination de Nelson à mettre la vie réelle sur scène, à dire la vérité en évitant toute grandiloquence et toute fioriture théâtrale, a donné naissance à un théâtre qui nous montre non seulement la façon dont nous vivons aujourd’hui, mais aussi la façon dont nous vivons. » Oskar Eustis, directeur artistique, The Public Theater
« To Be and Not to Do » (Être et ne pas faire), s’adresse aux comédiens qui souhaitent explorer un théâtre où l’acteur est au centre et où les relations entre les personnages sont le moteur de tout.
Public concerné : comédien·ne·s / artistes de la scène en générale en quête d’approfondir la base de leur pratique.
Tarifs : 600 € (individuel), 1500 € (prise en charge Afdas/ France Travail) + 20 € d’adhésion annuelle.